A história da arte e do pensamento ocidental testemunhou uma das suas mais profundas reviravoltas com a emergência da modernidade. Este período, marcado pela transição do Clássico para o Romântico, não foi apenas uma mudança de estilo, mas uma redefinição radical da forma como o ser humano se via, expressava e interagia com o mundo. Foi o nascimento de uma era intrinsecamente ligada ao dinamismo, à contradição e à busca incessante pelo novo.
O Neoclassicismo: A Razão em Forma
Antes da explosão romântica, o Neoclassicismo dominava o cenário, pautando-se pelos ideais de equilíbrio, proporção, clareza e razão. Inspirado na grandiosidade greco-romana, este movimento repudiava os excessos do Barroco e Rococó, buscando uma estética de sobriedade e funcionalidade. A arte neoclássica era uma manifestação da mente, enraizada em teorias filosóficas de pensadores como Kant e Hegel, onde a técnica servia como um instrumento racional a serviço da sociedade.
Na arquitetura, por exemplo, a forma seguia a função, e edifícios não eram meras exibições de poder, mas estruturas projetadas para atender às necessidades sociais, como hospitais e bibliotecas. O Neoclassicismo era a ordem, a lógica e a beleza concebidas através da disciplina e da técnica.
A Ascensão Romântica: O Coração no Centro
A era napoleônica agiu como um catalisador para o Romantismo, trazendo consigo uma profunda reorientação. Em contraste com a razão universalista da Ilustração, o Romantismo mergulhou no indivíduo, no sentimento, na intuição e na expressão pessoal. De repente, o sentimento não era apenas uma reação, mas a "realidade fundamental", o elo que dava sentido ao natural e ao universal.
Essa mudança crucial transferiu o foco do exterior para o interior. A arte deixou de ser apenas a representação do sensível para se tornar a expressão de uma intuição que buscava a verdade no "coração oculto das coisas". A experiência subjetiva e os "movimentos mais sutis da alma" tornaram-se a matéria-prima de uma nova forma de criar e sentir o mundo.
Modernidade: A Atração pela Heresia e a Autocrítica
O século XIX viu a modernidade emergir como um verdadeiro campo de batalha cultural, com a "atração da heresia" como um de seus traços mais definidores. Poetas desafiavam a moral em metros clássicos, arquitetos eliminavam ornamentos, e pintores exibiam esboços como obras acabadas. O lema de Ezra Pound, "Make it New!" ("Inova!"), ecoava a aspiração de gerações de artistas que encontravam satisfação não apenas em seguir um novo caminho, mas no próprio ato de insubordinação triunfal contra a autoridade estabelecida.
A autocrítica por princípio também se tornou central, enraizada na incessante busca pelos segredos da natureza humana, uma exploração profunda do "eu". Figuras como Charles Baudelaire, um dos "primeiros heróis da modernidade", desbravaram novos caminhos, com poetas explorando desvios esotéricos na linguagem e pintores buscando a natureza "em si mesmos". A arte se tornou cada vez mais introspectiva, refletindo uma nova compreensão da complexidade da experiência humana.
Cenário Urbano: O Palco da Modernidade
O florescimento da arte moderna foi, em grande parte, um fenômeno urbano. Cidades em expansão, impulsionadas pela Revolução Industrial, construíram teatros, salas de concerto e museus, fomentando um ambiente propício para a alta cultura. A ascensão de uma "classe opulenta e cultivada, enriquecida pelo comércio e indústria" democratizou o mecenato, antes restrito à nobreza. Bibliotecas e museus públicos, com entrada gratuita, contribuíram para a difusão dos gostos modernos, tornando a arte mais acessível, mas, paradoxalmente, a modernidade não era um movimento totalmente democrático, com alguns artistas mantendo uma visão elitista do público.
Modernização: Força Criativa e Destrutiva
A modernização, impulsionada por avanços científicos, industrialização e a globalização capitalista, é vista como um "turbilhão de permanente desintegração e mudança". É nesse turbilhão que "tudo o que é sólido desmancha no ar" e "tudo o que é sagrado é profanado", nas palavras de Marx. A burguesia, por sua vez, é exaltada por sua capacidade de realizar "maravilhas" que superam as grandiosas construções do passado.
Nesse cenário, a sociedade moderna se fortalece paradoxalmente pela "ininterrupta perturbação, interminável incerteza e agitação". Catástrofes se transformam em oportunidades, e a desintegração atua como força mobilizadora. Para prosperar nesse ambiente, as personalidades precisam ser fluidas, abertas à mudança e ativamente engajadas no desenvolvimento contínuo de suas vidas e relações.
Pilares da Transição: Figuras Chave
A transição do Clássico ao Romântico e o subsequente mergulho na modernidade foram personificados por figuras que desafiaram as normas e pavimentaram novos caminhos:
Goethe e Fausto: A obra de Goethe, que atravessa seis décadas, dramatiza o surgimento do sistema mundial moderno. Fausto, em sua busca incessante por desenvolvimento e experiência, encarna o espírito de uma era onde o inovador de hoje se torna obsoleto amanhã.
Goya: Uma figura de transição que rompeu com as convenções, Goya passou da narrativa histórica para uma profunda interpretação psicológica da vida.
Canova: Embora firmemente ancorado nos princípios neoclássicos, suas obras revelam um "sentimento proto-romântico", apontando para a emoção que se tornaria central.
Camille Corot: Sua pintura, apesar de descrita como "naturalista", insuflava "vida à emoção" através da luz e da cor, priorizando o sentimento sobre a observação estrita.
Auguste Rodin: O escultor mais importante da época, Rodin transitou entre a rebelião contra a imitação fiel e a representação figurativa da história, capturando a tensão da modernidade.
Claude Debussy e Gustav Mahler: Vistos como "figuras de transição" na música, eles levaram as harmonias tradicionais ao limite. Debussy buscou "afogar a tonalidade" para transmitir o "inexpressível", enquanto Mahler, com seu espírito "verdadeiramente subversivo", abriu caminho para novas sonoridades.
Arnold Schoenberg: Seu "salto para a modernidade" em 1907-1908 marcou a exploração de "território virgem" e a quebra de "barreiras estéticas". Sua atonalidade e dodecafonismo foram marcos da modernidade musical.
Igor Stravinsky: Mesmo ao adotar o "período neoclássico" após 1920, Stravinsky buscou uma "nova objetividade" e disciplinou sua autonomia, mantendo sua música sempre reinventada e moderna.
Piet Mondrian: Pioneiro do "neoplasticismo", Mondrian buscou uma "comunidade espiritual de artistas" para construir um "estilo coletivo" baseado na ordem do vertical e horizontal, defendendo a liberdade do conformismo.
James Joyce: Em Ulisses e Finnegans Wake, Joyce quebrou "praticamente todas as normas da novela", abdicando da trama, subvertendo o tratamento das condições materiais e focando na "vida interior". Sua literatura, embora "difícil de ler", era intensamente "fecunda" em novas possibilidades expressivas.
A Modernidade como um Estado de Ser
A eclosão da modernidade, desencadeada pela transição do Clássico para o Romântico, foi o catalisador que liberou forças de transformação contínua. Mais do que um período histórico, a modernidade é um estado de ser caracterizado pela contínua redefinição de valores, formas e identidades. É um "turbilhão" que ainda hoje molda a experiência humana, impulsionando-nos a buscar incessantemente o novo, a desafiar o estabelecido e a explorar as profundezas da nossa própria existência.
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